ALBUM PHOTO contenant des photographies d'Egypte, principalement de la construction de la première raffinerie de pétrole égyptienne et des activités de stockage, probablement près de Ras Gemsah. c. 1911/1913. W. tog. 83 photographies : 17 belles photographies générales "touristiques" sur papier albuminé (chacune 210 x 270 mm) du Caire et des environs, légendées en italique et numérotées dans l'image, et 66 photographies privées sur papier albuminé (220 x 280 mm chacune) d'installations et d'activités de construction, dont 2 photographies panoramiques dépliantes, toutes montées sur des feuilles de carton épais, avec des photos de la première raffinerie de pétrole égyptienne et des activités de stockage. Fol.-obl. Cont. simili peau de reptile cl., au recto : "Egypte". NOTE : L'"Anglo-Egyptian Oilfields Ltd", dont cet album témoigne des activités, était une compagnie pétrolière enregistrée à Londres le 6 juillet 1911 et basée sur des gisements de pétrole en Egypte. La société était une opération conjointe de Royal Dutch Shell et de British Petroleum et avait pour objectif d'obtenir des concessions, de développer, de forer, de purifier, de fournir, de réserver, de distribuer et de manipuler des produits pétroliers. Ras Gemsah devint une source de pétrole très importante et, en 1911, la première raffinerie de pétrole y fut établie, comme en témoigne cet album. Les premières opérations de la raffinerie ont commencé en 1912 ; le premier bateau-citerne transportant 3 000 tonnes de pétrole a quitté Ras Gemsah en direction de l'Extrême-Orient, qui a été considéré comme la seule source de production de pétrole pendant un certain temps. L'une des photographies montre une "réception" festive où l'on distingue les drapeaux anglais, égyptien et néerlandais. L'une des photographies est datée au crayon "8 septembre 1913". - Un ticket sur le contreplat supérieur révèle que l'album a été relié par " (Hof- en Nederlandsche Albumfabriek en Hofboekbinderij) R.W. Rinck Den Haag ", une reliure prestigieuse à l'époque.
Tapisserie ancienne, décorée de faune et de flore. XVIIe siècle.
Le tapis présente quelques restaurations importantes du 19e ou du début du 20e siècle, principalement dans la partie inférieure de la broderie. Les bords présentent quelques pièces anciennes, mais sont également en grande partie réparés.
Dimensions : (L:400 x L:260 cm)
Tapisserie ancienne en verdure, décorée d'un château, de faune et de flore. 17ème siècle.
État de conservation :
- Le tapis est raccourci
- Diverses petites restaurations.
A notre avis, le tapis peut être accroché tel quel.
Dimensions : (L:276 x H:277 cm)
École espagnole ; vers 1930.
"Allégorie de l'Espagne.
Gouache et encre sur papier.
Elle présente des rides et des défauts.
Signée dans la zone inférieure.
Dimensions : 43 x 33 cm ; 60 x 49 cm (cadre).
L'image représente une élégante dame vêtue d'un corset des années trente, d'une jupe bouffante et d'une casquette en cordoue. La dame tient un taureau avec ses mains, et derrière elles, décorant l'arrière-plan de la scène, on peut voir un grand châle de manille, symboles identifiés comme "espagnols".
Il présente des rides et des défauts.
École d'espagnol ; 1935.
"Buste de dame".
Aquarelle et encre sur papier.
Signée et datée en bas à droite.
Dimensions : 33 x 24 cm ; 50 x 44 cm (cadre).
Le peintre structure la scène à l'aide d'un trait synthétique et expressif, lié au courant Art déco. Les formes tendent à un essentialisme géométrisant et la couleur est appliquée en aplats, contrastant avec des chromatismes voyants.
JOSÉ NAVARRO LLORENS (Valence, 1867 - 1923).
Sans titre.
Aquarelle sur papier.
Signée dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 40 x 32 cm ; 70 x 62 cm (cadre).
José Navarro Llorens s'oriente très tôt vers la peinture et étudie à l'école des beaux-arts de San Carlos, dans sa ville natale. Après sa période d'études, nous perdons sa trace et nous ne le retrouverons qu'en 1895 lorsque, selon Pantorba, il participe pour la première et unique fois à l'Exposition nationale des beaux-arts, obtenant une mention honorifique. Cette même année fut celle de la consécration de Joaquín Sorolla, qui remporta à l'unanimité la première médaille de ce concours. Bien qu'ils aient été amis toute leur vie, il est possible que Navarro, de par son caractère bohème et humble, n'ait pas aspiré, comme Sorolla, à une carrière brillante faite de lauriers officiels et de prestige courtois. Il semble qu'il n'ait jamais eu l'intention de projeter son œuvre au-delà d'un cadre local limité, comme on peut le déduire du fait que, dans ses premières années, il s'est consacré à la peinture de scènes costumbristes et galantes pour des amateurs. Néanmoins, ses premières œuvres montrent une certaine influence du style de Mariano Fortuny, que Navarro admirait et dont l'exemple l'a peut-être incité à voyager au Maroc dans un deuxième temps. Ce voyage a dû avoir lieu peu après la fin de ses études, et il s'est consacré à la peinture de thèmes locaux, nord-africains et orientalistes. Au début du XXe siècle, il a été engagé pour décorer un palais à Buenos Aires, bien que Navarro ne soit jamais arrivé en Argentine. Il s'est embarqué pour cette destination, mais lors d'une escale à Rio de Janeiro, le peintre a décidé d'y rester indéfiniment. Dans la ville brésilienne, il a continué à travailler et a organisé une exposition qui a été largement célébrée. Cependant, la nostalgie de sa patrie, protagoniste absolu de son langage pictural, le pousse à retourner à Valence et à s'installer définitivement à Godella. Il y vécut le reste de sa vie de manière simple et humble, donnant des cours de peinture à l'Académie de la ville et peignant sans relâche. Son style s'inspire de diverses influences, telles que Fortuny, Domingo Marqués ou le luminisme levantin, mais se manifeste toujours de manière profondément personnelle, liée à la manière propre à Navarro de comprendre le monde. Sa peinture fait référence à la clarté méditerranéenne à travers de belles transparences, une luminosité corporelle et des coups de pinceau nerveux et vibrants. Il s'agit d'un réalisme énergique, robuste et vital, qui fait de la lumière une valeur plastique et même tactile, plutôt que chromatique. José Navarro est représenté dans les musées des beaux-arts de Valence et des Asturies, au musée Carmen Thyssen de Malaga et dans la collection Gerstenmaier, entre autres collections publiques et privées.
CARLOS SÁENZ DE TEJADA Y DE LEZAMA (Tanger, Maroc, 1897-Madrid, 1958).
"Le cirque".
Encre et aquarelle sur papier.
Dimensions : 33 x 24 cm ; 59 x 51 cm (cadre).
Carlos Sáenz a reçu une formation académique dans l'atelier de l'artiste Daniel Cortés, bien qu'il ait ensuite poursuivi ses études à l'École des beaux-arts de Madrid, où il a terminé ses études sous la direction des maîtres Sorolla et López Mezquita. Pendant la guerre civile espagnole, il a dirigé la section graphique de la propagande étrangère.
École espagnole ; première moitié du 20e siècle.
"Portrait d'un gentleman.
Graphite sur papier.
Peint sur les deux faces.
Présente des défauts.
Dimensions : 21 x 15 cm ; 40,5 x 35 cm (cadre).
Comme dans le reste de l'Europe, le portrait devient au XXe siècle le genre phare par excellence de la peinture espagnole, en raison des nouvelles structures sociales qui se mettent en place dans le monde occidental tout au long de ce siècle, incarnant l'expression ultime de la transformation du goût et de la mentalité de la nouvelle clientèle, née entre la noblesse et la gentry aisée, qui prendra les rênes de l'histoire à cette époque. Alors que les milieux officiels privilégient d'autres genres artistiques, comme la peinture d'histoire, et que la collection naissante encourage la profusion de peintures de costumes, le portrait monopolise la demande d'une peinture destinée à la sphère plus privée, reflet de la valeur de l'individu dans la nouvelle société. Ce genre incarne la présence permanente de l'image de ses protagonistes, à apprécier dans l'intimité d'un atelier, dans la chaleur quotidienne d'un cabinet de famille ou en présidant les pièces principales de la maison.
Présente des défauts.
École espagnole ; XXe siècle.
"Caricature d'un gentilhomme, vers 1820.
Aquarelle sur papier.
Signée dans le coin inférieur gauche.
Dimensions : 39 x 28 cm ; 54 x 43 cm (cadre).
Portrait masculin à l'aquarelle. Il est à noter que l'auteur part d'un langage réaliste, bien que la déformation de l'anatomie et la saturation des formes donnent lieu à un portrait conçu comme une caricature.
MARÍA JOSEFINA GARCÍA (20e siècle).
"La partida", vers 1936.
Fusain et cire sur papier.
Signé en bas à droite.
Dimensions : 32 x 23 cm ; 45 x 32 cm (cadre).
Dessin au fusain et à la cire sur papier représentant une jeune femme tournant le dos au spectateur, une rose à la main. Bien que nous ne voyions pas le visage et l'action qu'elle accomplit, la posture avec un bras levé appuyé sur l'arbre et l'autre complètement alangui tenant une rose qui semble sur le point de tomber, semble être un moment douloureux. Cette idée est renforcée par la présence de militaires à l'arrière-plan.
ÁNGEL GARCÍA CARRIÓ (Gijón, 1886 - Barcelone, 1972).
"Musiciens asturiens".
Fusain sur papier.
Dimensions : 25 x 20 cm ; 42 x 36 cm (cadre).
Fils du remarquable affichiste Julio García Mencía, il commence sa formation avec son père. Il entre ensuite à l'École des arts et métiers de Gijón, pour poursuivre ses études à l'École spéciale de peinture, sculpture et gravure de Madrid. Il est le disciple dans les Asturies de son oncle, le peintre Antonio García Mencía, et à Madrid d'Antonio Muñoz Degrain et de José Moreno Carbonero. Il expose pour la première fois en 1906 à l'Exposition générale des beaux-arts et, quelques années plus tard, à l'Ateneo Jovellanos de Gijón. Sa peinture peut être définie comme postimpressionniste et intimiste. Ses paysages lumineux s'inscrivent dans le post-impressionnisme catalan, fondamentalement influencé par Olot : coups de pinceau rapides et effets de lumière destinés à donner du volume aux objets. Il se distingue également par sa maîtrise du dessin. En 1909, il obtient un prix d'affiche à Santander et un diplôme de deuxième classe à l'exposition internationale de Barcelone de 1929. Il n'a pas fait beaucoup d'expositions individuelles, mais il a participé à plusieurs Salons nationaux. Il est représenté au MACBA, aux Beaux-Arts de Santander et d'Oviedo et au musée Jovellanos de Gijón.
K-HITO (Villanueva del Arzobispo, 1890-Madrid, 1984).
"Illustration".
Encre et aquarelle sur papier.
Signé dans le coin inférieur gauche.
Dimensions : 27 x 20 cm ; 46 x 40 cm (cadre).
K-Hito était le pseudonyme de Ricardo García López (1890-1984), humoriste, caricaturiste, critique de tauromachie, producteur de films et éditeur de revues espagnol. Considéré comme faisant partie de la génération de 27, il a fondé et dirigé quatre revues, dans les pages desquelles il a créé plusieurs personnages, tels que Gutiérrez, Macaco, Currinche et Don Turulato. En 1907, il s'est installé à Valence, où il a commencé à collaborer à des revues humoristiques et a présenté la première exposition de ses œuvres en 1912 au Círculo de Bellas Artes. Avec Joaquín Xaudaró et Antonio Got, il fonde la Sociedad Española de Dibujos Animados (SEDA) en 1932. Pendant la guerre civile, il vit à Valence, où il travaille comme professeur de calligraphie à l'Academia Comercial Morales.
École espagnole ; vers 1920-1930.
"Caricatures.
Encre et aquarelles sur papier.
Elles présentent des défauts.
Signé.
Dimensions : 31 x 24 cm ; 45 x 34,5 cm (cadre) ; 9,5 x 9,5 cm ; 24,5 x 21 cm (cadre).
L'ensemble est composé de quatre cinq œuvres d'auteurs différents et réalisées selon des techniques différentes. Le seul point commun est que, dans chacun des cas, l'auteur part d'un langage réaliste, bien que la déformation de l'anatomie et la saturation des formes donnent lieu à des portraits conçus comme des caricatures.
Ils présentent des défauts.
WILLIAM BUDZINSKI (Berlin, 1875- 1950).
"Costume de scène, vers 1925.
Crayon, gouache et aquarelle sur carton.
Possède le cachet de l'artiste.
Signé dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 33 x 18 cm ; 45 x 30 cm (cadre).
William Budzinski était un costumier et un collectionneur berlinois. Il a suivi quelques semestres au Sophienrealgymnasium, puis une école d'art. Budzinski a été engagé par la société de costumes Hugo Baruch en tant que costumier. Parallèlement, il travaille avec Pauline Hallmann, "costumière et chef des costumes" de l'Apollo Theater de Berlin. À partir de 1910, Budzinski réalise également ses premières créations en free-lance pour la société Bruno Pruschinski, qu'il reprend en 1912. Jusqu'en 1919, les costumes de scène berlinois étaient généralement achetés par les acteurs, en particulier pour les femmes, ce qui fait de lui l'un des trois créateurs berlinois de costumes de haute couture les plus connus. En 1930, les "Luxus-Werkstätten Pruschinski" font faillite en raison de la Grande Dépression. William Budzinski a alors vendu sa collection de quelque 3 000 costumes au musée des Arts décoratifs de Berlin. Aujourd'hui, la collection est conservée au Musée des cultures européennes. En 1999, l'exposition sur William Budzinski Variété et Revue. Le créateur de costumes et collectionneur William Budzinski 1875-1950 a eu lieu à Berlin.
RENATO BROZZI (Traversetolo, 1885 -1963).
Sans titre, 1925.
Argent.
Signé et daté.
Dimensions : 2 x 30 x 30 cm.
Poids : 522 grammes.
Renato Brozzi était un sculpteur, graveur et orfèvre italien. Il apprend très jeune le métier de graveur dans une fonderie de bronze et travaille ensuite pour un atelier d'antiquités. Soutenu et encouragé par le peintre Daniele de Strobel, il fréquente l'Académie des beaux-arts de Parme, où il reçoit l'enseignement de Cecrope Barilli. En 1907, il s'installe à Rome, où il reste avec sa famille pendant plus de 50 ans. Il fréquente l'École de l'art de la médaille dans les ateliers de la Monnaie nationale, où il perfectionne sa technique de gravure. En 1915, il remporte une médaille d'or à l'Exposition internationale des beaux-arts de San Francisco. En 1917, il expose cinquante-quatre œuvres, dont des pastels, des plaques de cuivre et des plaques d'argent, dans des expositions personnelles organisées par l'Exposition permanente de Milan (où il avait déjà exposé en 1910). En 1919, il dessine le revers de la pièce de 10 centimes de lire, représentant une abeille perchée sur une fleur de pavot. Ses œuvres attirent l'attention de Gabriele D'Annunzio, qui le choisit comme sculpteur et orfèvre personnel à partir de 1920.
EDUARDO VICENTE PÉREZ (Madrid, 1909 - 1968).
"En balcón".
Encre et aquarelle sur papier.
Cadre du XIXe siècle.
Signé dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 63 x 43 cm ; 88 x 69 cm (cadre).
Maître dans la représentation de la vie quotidienne madrilène, Eduardo Vicente a été formé à l'école des beaux-arts de San Fernando, et il a été en relation avec les intellectuels les plus éminents de l'époque. Il a été un représentant important de l'école de Madrid, juré en 1951 de la première biennale d'art hispano-américain et invité à la biennale de Venise. Il est actuellement représenté au MNCA Reina Sofía, au Municipal de Madrid, au musée d'art sacré d'Orihuela, au musée national d'art de Catalogne, à la bibliothèque nationale et dans d'autres collections, tant publiques que privées.
PEDRO MOZOS (Valdecañas, Palencia, 1915 - Palma de Majorque, 1982).
"Bailaora".
Graphite sur papier.
Signé dans le coin supérieur droit.
Dimensions : 27 x 20 cm ; 43 x 34 cm (cadre).
Pedro Mozos était un peintre autodidacte qui a complété sa formation en fréquentant plusieurs écoles en tant qu'étudiant libre, montrant son talent précoce pour le dessin et la peinture. Il est devenu professeur de dessin artistique à l'École des arts appliqués et des métiers artistiques de Madrid et professeur de dessin à la faculté des beaux-arts de l'université Complutense de Madrid. Son œuvre a été exposée à Madrid, Alicante, Palencia, Barcelone, etc., et est conservée dans plusieurs collections privées et institutions telles que le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía et la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, à Madrid, le Museo de Bellas Artes de Bilbao, la Diputación de Palencia, le Museo de Bellas Artes de Vitoria, etc.
École espagnole ; vers 1920-1930.
"La robe de Manola
Graphite et cire sur papier.
Signé José en bas à gauche.
Dimensions : 27 x 21 cm ; 43,5 x 38 cm (cadre).
Nous voyons dans cette œuvre une scène d'approche costumbrista, mettant en scène la jeune Manola. La peinture costumbrista est un genre dans lequel les types et les attitudes populaires, les comportements, les valeurs et les habitudes communs à un groupe concret de la population, d'une région ou d'une classe sont décrits à travers la description, satirique, nostalgique ou narrative, des atmosphères, des coutumes, des vêtements, des fêtes et des amusements, des traditions, des métiers et des types représentatifs d'une société. L'idée du costumbrismo est née d'une tentative de compréhension de la réalité, ou plus précisément de la réalité comprise d'une manière particulière, d'un point de vue spécifique.
École espagnole ; XXe siècle.
"Paire de paysages".
Aquarelle sur papier (x2).
Signée dans la partie inférieure.
Dimensions : 37 x 54 cm (x2) ; 33 x 69,5 cm (cadres, x2).
Dans ces œuvres, l'artiste présente une vue concrète. Complètement vide et sans aucun signe de présence humaine, l'auteur fixe son regard sur l'exubérance du paysage, donnant ainsi toute l'importance à la nature et à l'architecture. La lumière obtenue par l'artiste indique qu'il s'agit d'un moment précis de la journée. Le choix d'un moment précis, ajouté à la palette de tons froids, nous montre des images à l'atmosphère onirique.
École espagnole ; vers 1920.
"Un triquitrate" et "Los pitos del santo".
Gouache sur papier (x2).
Intitulé : "Un triquitrate" et "Los pitos del santo".
Dimensions : 27 x 52 cm (x2) ; 44 x 70 cm (cadres, x2).
Gouache sur papier dont le format indique qu'elles ont été conçues pour faire partie du pays d'un fan. Dans ce cas, les deux œuvres ont été créées par le même auteur, car elles présentent de nombreuses similitudes sur le plan esthétique. Dans les deux cas, les thèmes sont de nature costumière et quelque peu galante, puisque dans l'un d'eux, on voit la représentation d'une verveine, tandis que dans l'autre, il s'agit d'un couple avec la belle-mère située entre les deux.
École espagnole ; vers 1950.
"Jeune femme avec une fleur dans les cheveux et un châle.
Crayons de couleur et aquarelle sur papier.
Présente une étiquette informative au dos.
Dimensions : 63,5 x 49 cm ; 68,5 x 54 cm (cadre).
Comme dans le reste de l'Europe, le portrait est devenu au XXe siècle le genre protagoniste par excellence de la peinture espagnole, conséquence des nouvelles structures sociales qui se sont implantées dans le monde occidental tout au long de ce siècle, incarnant l'expression maximale de la transformation du goût et de la mentalité de la nouvelle clientèle, née entre la noblesse et la haute bourgeoisie aisée, qui allait prendre les rênes de l'histoire au cours de cette période. Alors que les milieux officiels privilégient d'autres genres artistiques, comme la peinture d'histoire, et que la collection naissante encourage la profusion de peintures de costumes, le portrait monopolise la demande d'une peinture destinée à la sphère plus privée, reflet de la valeur de l'individu dans la nouvelle société. Ce genre incarne la présence permanente de l'image de ses protagonistes, à apprécier dans l'intimité d'un atelier, dans la chaleur quotidienne d'un cabinet de famille ou en présidant les pièces principales de la maison.
MANUEL MINGORANCE ACIEN (Malaga, 1920-2014).
"Rosa se marie demain".
Aquarelle sur toile.
Signée dans le coin inférieur droit. Signée et titrée au dos.
Dimensions : 46 x 33 cm ; 59 x 46 cm (cadre).
Artiste de Malaga formé à l'École des beaux-arts de Madrid et en Italie grâce à une bourse, Manuel Mingorance a été un peintre et un dessinateur prolifique. En 2009, il a fait don à la mairie de Malaga, sa ville natale, d'un total de 9 287 œuvres, comprenant des peintures, des dessins et des gravures, dont neuf œuvres d'autres artistes. Ce corpus artistique a servi de base aux expositions successives qui lui ont été consacrées, dont "Manuel Mingorance Acién. Peintures des années 1960", organisée dans la salle qui porte son nom par le conseil municipal du district central de Malaga.
JOSÉ ARRÚE VALLE (Bilbao, 1885 - Llodio, Álava, 1977).
"Paisanos".
Gouache et encre sur papier.
Signé dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 22 x 44 cm ; 41 x 64 cm (cadre).
Gouache sur papier dont le format indique qu'elle a été conçue pour faire partie du pays d'un admirateur. José Arrué fut un remarquable peintre de type basque, caractérisé par une grande intuition, comme en témoigne cette scène fraîche à l'aquarelle. Arrrué a été formé à Bilbao, puis a poursuivi ses études à Barcelone, Paris et Milan. En 1908, il retourne dans sa patrie et commence à combiner sa pratique artistique avec l'enseignement, en tant que professeur de dessin de figures à l'École des arts et métiers de Bilbao. La même année, il collabore à la création de la revue "El Coiteao". Un an plus tard, son amour pour le monde de la tauromachie l'amène à porter le costume de torero et à participer à huit corridas. Sa présentation en tant que torero a lieu à Bilbao le 17 octobre et, selon les critiques de l'époque, il s'est bien défendu. C'est à cette époque qu'il commence à se faire connaître et qu'il organise des expositions de ses œuvres à Bilbao en 1911, 1915, 1920 et 1925. L'année suivante, en 1926, Arrúe s'installe à Paris, où il continuera à peindre jusqu'à ce qu'il expose enfin à Buenos Aires en compagnie de son frère Ramiro, également peintre. Cette exposition, inaugurée le 10 juillet 1928, se tient à la Société des amis de l'art de la capitale argentine, et son succès est tel qu'elle devient itinérante, se poursuivant à Cordoba, dans le hall du journal "La Razon", avec lequel Arrúe collaborera artistiquement pendant plusieurs années. Par la suite, l'exposition a également été présentée à la galerie Moretti, Catelli et Mazzuchelli à Montevideo, pour terminer son parcours au salon Wicomb de Rosario, toujours en Argentine. Au cours de ce voyage, Arrúe a participé à l'exposition d'artistes basques organisée au Gran Casino de San Sebastian à l'occasion de la Grande semaine basque, et a également été récompensé pour son affiche lors du IIe concours international d'œuvres. T
École espagnole ; vers 1920.
"En la bombi, a mí con achares" et "Un matasuegras".
Gouache sur papier (x2).
Dimensions : 27 x 52 cm (x2) ; 44 x 70 cm (cadres, x2).
Gouache sur papier dont le format indique qu'elles ont été conçues pour faire partie du pays d'un fan. Dans ce cas, les deux œuvres ont été créées par le même auteur, car elles présentent de nombreuses similitudes sur le plan esthétique. Dans les deux cas, les thèmes sont de nature costumière et quelque peu galante, puisque dans l'un d'eux, on voit la représentation d'une verveine, tandis que dans l'autre, il s'agit d'un couple avec la belle-mère située entre les deux.
ANGÉL CEREZO VALLEJO (1885- ?)
"Grignotage", 1909.
Encre et aquarelle sur papier.
Signé, daté et situé à
Dimensions : 30 x 41 cm ; 54 x 65 cm (cadre).
Ángel Cerezo Vallejo s'est fait connaître lors des premiers Salones de Humoristas, à la Sala Iturrioz, en 1909, et a été l'une des signatures habituelles des publications espagnoles de la décennie suivante. Dans les pages de La Esfera ou de Por esos Mundos, Cerezo Vallejo a publié certaines de ses meilleures illustrations, toujours teintées d'une étrange tristesse.
École espagnole ; vers 1925.
"La florista", "Dama rondeña", "Lavanderas" et "La feria".
Aquarelle sur papier.
Signée et datée dans la partie inférieure.
Dimensions : 25 x 15,5 cm ; 37 x 51 cm (cadre).
Traditionnellement, la peinture et la littérature espagnoles du XXe siècle s'intéressaient aux coutumes et aux types populaires. Sorrolla lui-même commentait : "Je veux donner, toujours dans le vérisme de mon école, une représentation de l'Espagne ; je ne cherche pas de philosophies, mais le pittoresque de chaque région". Cette tendance se répand dans toutes les provinces d'Espagne, l'Andalousie étant la plus célèbre dans la représentation de la vie populaire. Cependant, grâce à l'essor de la bourgeoisie, d'autres communautés espagnoles connaissent un véritable essor.
Attribué à JOSEP MORELL MACÍAS (Sant Esteve d'en Bas, Gérone, 1899 - Barcelone, 1949).
"Le poissonnier", vers 1920.
Aquarelle sur papier.
Dimensions : 13 x 11 cm ; 38 x 33 cm (cadre).
Cette œuvre s'inscrit dans le cadre de l'essor du régionalisme en Espagne au cours de la seconde moitié du XIXe siècle et du premier tiers du XXe siècle, où s'est développé un art romantique patrimonial, costumbrista et réaliste, de facture détaillée, qui s'attache à la représentation de sujets, de thèmes et de personnages qui reflètent un nouveau sens du folklore. Dans ce contexte, les peintres ont cherché à refléter les types et les coutumes de leur propre terre, ce qui la rendait différente et unique, revendiquant ainsi leurs propres racines et, surtout, les traditions et les manières de s'habiller et de se comporter qui étaient menacées par la croissance notable des zones urbaines et l'imposition de nouvelles modes venues de l'extérieur. L'art, fondamentalement dans son aspect pictural, devient ainsi d'une certaine manière un véhicule d'expression capable de faire connaître les particularités régionales au reste de la nation.
École d'espagnol ; 1924.
"La garde civile
Aquarelle et mine de plomb sur papier.
Signée et datée dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 34 x 27 cm ; 46 x 40 cm (cadre).
Scène présentant un garde civil au téléphone, tournant le dos au spectateur. Esthétiquement, l'œuvre est l'héritière de la peinture de Normal Rockwell, qui utilisait des archétypes de la vie contemporaine dans des situations tout à fait quotidiennes, esthétiquement influencée par un style lié à l'illustration et à la publicité. Ainsi, dans cette image apparemment simple, il est possible d'apprécier un certain contenu de dénonciation de la part de l'auteur.
Peut-être JULIO FERRER SAMA (1901- 1984).
"La danse orientale".
Aquarelle sur papier.
Signée dans le coin inférieur gauche.
Dimensions : 29 x 45 cm ; 43 x 59 cm (cadre).
L'orientalisme est né au XIXe siècle, conséquence de l'esprit romantique d'évasion dans le temps et l'espace. Les premiers orientalistes ont cherché à refléter la perte, l'inaccessible, dans un voyage dramatique voué dès le départ à l'échec. Comme Flaubert dans "Salambo", les peintres brossent des portraits détaillés de l'Orient et des passés imaginés, recréés au millimètre près, mais finalement inconnus et idéalisés. Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, de nombreux peintres qui se sont rendus au Moyen-Orient à la recherche de cette réalité inventée ont cependant découvert un pays différent et nouveau, qui se démarquait par ses particularités des clichés et des préjugés des Européens. Ainsi, cette nouvelle école orientaliste laisse derrière elle les belles odalisques, les harems et les marchés d'esclaves pour ne peindre que ce qu'elle voit, l'Orient réel dans toute sa dimension quotidienne. Le changement de vision s'accompagne d'un changement technique et formel ; puisqu'il ne s'agit plus de recréer un monde imaginé dans ses moindres détails, le coup de pinceau acquiert une fluidité impressionniste, et les artistes s'attachent moins à la représentation des types et des coutumes qu'au reflet fidèle de l'atmosphère du lieu, de l'identité même des populations nord-africaines.
École espagnole ; vers 1930.
"Nu féminin".
Crayons de couleur et gouache,
Signé dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 32 x 23 cm ; 56 x 48 cm (cadre).
Nu féminin mettant en scène une flapper. Avec un humour caustique et une audace thématique, le peintre structure la scène à l'aide d'un trait synthétique et expressif, lié au courant Art déco. Les formes tendent à un essentialisme géométrisant, et la couleur est appliquée en aplats, contrastant avec des chromatismes colorés.
École européenne ; vers 1920.
"Sorcier".
Encre et aquarelle sur papier.
Signé dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 32 x 23 cm ; 49 x 40 cm (cadre).
L'orientalisme est né au XIXe siècle, conséquence de l'esprit romantique d'évasion dans le temps et l'espace. Les premiers orientalistes ont cherché à refléter la perte, l'inaccessible, dans un voyage dramatique voué dès le départ à l'échec. Comme Flaubert dans "Salambo", les peintres brossent des portraits détaillés de l'Orient et des passés imaginés, recréés au millimètre près, mais finalement inconnus et idéalisés. Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, de nombreux peintres qui se sont rendus au Moyen-Orient à la recherche de cette réalité inventée ont cependant découvert un pays différent et nouveau, qui se démarquait par ses particularités des clichés et des préjugés des Européens. Ainsi, cette nouvelle école orientaliste laisse derrière elle les belles odalisques, les harems et les marchés d'esclaves pour ne peindre que ce qu'elle voit, l'Orient réel dans toute sa dimension quotidienne. Le changement de vision s'accompagne d'un changement technique et formel ; puisqu'il ne s'agit plus de recréer un monde imaginé dans ses moindres détails, le coup de pinceau acquiert une fluidité impressionniste, et les artistes s'attachent moins à la représentation des types et des coutumes qu'au reflet fidèle de l'atmosphère du lieu, de l'identité même des populations nord-africaines.
FRANCISCO SANCHA LENGO (Málaga, 1874 - Oviedo, 1936).
"Jaleo flamenco".
Aquarelle sur papier.
Elle présente de légers défauts
Signée dans le coin inférieur gauche.
Dimensions : 41 x 33 cm ; 68 x 59 cm (cadre) :
Dessinateur et peintre, Francisco Sancha s'est spécialisé dans le paysage et le portrait, bien qu'il ait également abordé de nombreux autres sujets. Il se forme aux Beaux-Arts de San Telmo à Malaga et de San Fernando à Madrid, auprès de Joaquin Martinez de la Vega pour le premier et de Jose Moreno Carbonero pour le second. En 1899, il s'installe à Paris, où il collabore aux revues "Frou-Frou", "Le Rire" et "Le Cri de Paris". En 1812, il s'installe à Londres, où il étend son activité à la conception de meubles et à la peinture décorative, tout en collaborant à diverses publications. Il participe aux expositions nationales des beaux-arts de Madrid, où il obtient une mention honorable en 1897 et une deuxième médaille en 1908 et 1910. Il est actuellement représenté au Museo Lázaro Galdiano, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía et à l'ABC de Madrid, entre autres collections.
École espagnole ; XXe siècle.
"Torero".
Aquarelle sur papier.
Signée dans le coin inférieur droit,
Dimensions : 14 x 9 cm ; 33 x 24 cm (cadre).
Cette œuvre s'inscrit dans le cadre de la montée du régionalisme en Espagne au cours de la seconde moitié du XIXe siècle et du premier tiers du XXe siècle, où s'est développé un art du patrimoine romantique, costumbrista et réaliste, à la facture détaillée, qui s'attache à la représentation de sujets, de thèmes et de personnages qui reflètent un nouveau sens du folklore. Dans ce contexte, les peintres ont cherché à refléter les types et les coutumes de leur propre terre, ce qui la rendait différente et unique, revendiquant ainsi leurs propres racines et, surtout, les traditions et les manières de s'habiller et de se comporter qui étaient menacées par la croissance notable des zones urbaines et l'imposition de nouvelles modes venues de l'extérieur. L'art, fondamentalement dans son aspect pictural, devient ainsi d'une certaine manière un véhicule d'expression capable de faire connaître les particularités régionales au reste de la nation.
École espagnole ; vers 1940.
"Portrait de Fernando Castán Palomar".
Aquarelle sur papier
Signée, datée et dédicacée en bas à droite.
Dimensions : 33 x 23 cm ; 47 x 36 cm (cadre).
Fernando Castán Palomar (Saragosse, 1898 - Madrid, 1963) était un journaliste, écrivain et réalisateur espagnol. Il étudie la philosophie et les lettres à l'université de Saragosse et commence à travailler en 1916 comme rédacteur en chef d'El Noticiero. En 1929, il est rédacteur en chef de La Voz de Aragón et, en 1935, il s'installe à Madrid pour travailler à la rédaction du journal madrilène Ya. Après le déclenchement de la guerre civile, il devient rédacteur en chef de l'hebdomadaire falangiste Fotos.
Attribué à FEDERICO RIBAS MONTENEGRO (Vigo, 1890 - Madrid, 1952).
"Le vampire.
Graphite sur papier.
Signé en bas à droite.
Dimensions : 49 x 33 cm ; 64 x 50 cm (cadre).
Dessinateur et publiciste, Federico Ribas a jeté les bases de la publicité espagnole avec ses publicités et affiches de l'industrie de la parfumerie Gal, réalisées à partir de 1916. Il a travaillé au début du siècle pour les plus importantes revues et maisons d'édition de l'époque à Madrid et à Paris, facturant jusqu'à 250 dollars pour une tête de femme à la "Pictorial Review" de New York à la fin des années 1920. Avec l'éclatement de la guerre civile, elle part pour l'Argentine, où elle continue à travailler et à organiser des expositions. Elle collabore avec des revues locales et des journaux antifranquistes tels que "España Republicana". Fin 1949, il rentre en Espagne et meurt trois ans plus tard.
École espagnole ; XXe siècle.
"Taverne".
Aquarelle sur papier.
Signée dans le coin inférieur droit Penagos.
Dimensions : 34,5 x 44 cm ; 52,5 x 62 cm (cadre).
Scène de taverne qui s'inscrit dans le courant costumbrista. La nouvelle peinture de mœurs du XIXe siècle est née comme une manière d'interpréter un sentiment croissant de conscience nationale, désormais présent dans la classe moyenne alors qu'elle avançait vers l'hégémonie sociale. Dans une certaine mesure, le souci des peintres était d'approfondir la vision de leur pays à travers un langage, celui de la peinture, que tout le monde pouvait comprendre, aidant ainsi les gens du peuple à comprendre la nature et le sens de leur nationalité.
École espagnole ; vers 1920.
"La sorcière gitane".
Encre et aquarelle sur papier.
Présente des taches.
Signé et dédicacé en bas à droite.
Dimensions : 25 x 18 cm ; 39,5 x 32,5 cm (cadre).
Cette œuvre s'inscrit dans le cadre de l'essor du régionalisme en Espagne au cours de la seconde moitié du XIXe siècle et du premier tiers du XXe siècle, où s'est développé un art du patrimoine romantique, costumbrista et réaliste, de facture détaillée, qui s'attache à la représentation de sujets, de thèmes et de personnages qui reflètent un nouveau sens du folklore. Dans ce contexte, les peintres ont cherché à refléter les types et les coutumes de leur propre terre, ce qui la rendait différente et unique, revendiquant ainsi leurs propres racines et, surtout, les traditions et les manières de s'habiller et de se comporter qui étaient menacées par la croissance notable des zones urbaines et l'imposition de nouvelles modes venues de l'extérieur. L'art, fondamentalement dans son aspect pictural, devient ainsi d'une certaine manière un véhicule d'expression capable de faire connaître les particularités régionales au reste de la nation.
Il présente des taches.
École espagnole ; vers 1930.
"Caricatures".
Aquarelle sur papier.
Dimensions : 16 x 14 cm ; 29,5 x 60,5 cm (cadre).
Le lot se compose de trois aquarelles sur papier représentant trois portraits de profil. Chacun des personnages est différent, devenant ainsi un protagoniste unique. Il est à noter que l'auteur part d'un langage réaliste, bien que la déformation de l'anatomie et la saturation des formes donnent lieu à trois portraits conçus comme une caricature.
JULIÁN GRAU SANTOS (Canfranc, Huesca, 1937).
"Nature morte", 1957.
Encre sur papier.
Signé et daté en bas à droite.
Dimensions : 29 x 22 cm ; 53 x 43 cm (cadre).
Fils d'Emilio Grau Sala et d'Ángeles Santos Torroella, il est formé à Barcelone. En 1949, il fait plusieurs voyages à Paris, où il a l'occasion de contempler de première main les œuvres de Sisley, de Van Gogh et de divers impressionnistes et postimpressionnistes. Il organise sa première exposition personnelle à la Sala Libros de Saragosse en 1957. Depuis lors, il a organisé des expositions personnelles dans les galeries Syra, Rovira et Vayreda à Barcelone ; Alas, Abril, El Cisne, Collage et Biosca à Madrid ; Justin Lester à Los Angeles, Art Roman à Tokyo, etc. Depuis 1966, il expose régulièrement à titre individuel à la Sala Parés de Barcelone et, en 1968, il a participé au Salon des artistes français au Grand Palais de Madrid. Son œuvre, liée à l'expressionnisme et très axée sur la couleur, se caractérise par une technique très élaborée et une connaissance approfondie du dessin. Il a également réalisé de nombreux dessins qui ont été publiés dans divers journaux et magazines. Parmi les prix qu'il a reçus, citons le prix de La Rambla (Barcelone, 1961), la médaille Ramón Rogent (Salón de Mayo, Barcelone, 1962), la médaille de l'exposition des beaux-arts (Madrid, 1961), le troisième prix Sant Jordi et le prix Van Gogh (Barcelone, 1963), la médaille de la ville de Barcelone (1965), le prix de la biennale de peinture de Huesca (1976), la médaille de la Condesa de Barcelona (Madrid, 1983) et la médaille d'honneur du concours BMW (Madrid, 1987). Ces dernières années, il a participé aux foires ARCO à Madrid et ARTEXPO à Valence, Barcelone, Bâle, New York, Chicago, Miami et Hong Kong. En 1993, la fondation Mapfre Vida de Madrid lui a consacré une exposition rétrospective.
DEMETRIO LÓPEZ (Lorca, vers 1886-Madrid, 1960)
"Qui était un papillon".
Aquarelle sur papier.
Signée et titrée dans la partie inférieure.
Dimensions : 46 x 46 cm ; 48,5 x 48,5 cm (cadre).
Demetrio López Vargas était un dessinateur espagnol. Il a travaillé à Madrid, où il a collaboré à des revues telles que Muchas Gracias et Crónica. Après la guerre civile, il a collaboré à Informaciones.
JOSÉ ZAMORA (Madrid, 1892 - Sitges, 1971).
"Léda et le cygne", 1926.
Aquarelle et cire sur papier.
Signée et datée en bas à gauche.
Dimensions : 32 x 24 cm ; 43 x 36 cm (cadre).
José de Zamora, plus connu sous le nom de Pepe ou Pepito Zamora, a participé pleinement au courant artistique connu sous le nom d'art déco, un mouvement qui a produit un art élégant, décoratif et, en grande partie, éphémère. Dans cette mouvance, Zamora a créé un style de dessin raffiné et original, très imité de son vivant et pourtant presque oublié aujourd'hui. À l'occasion du cinquantième anniversaire de sa mort, la Bibliothèque régionale de Madrid souhaite contribuer à la récupération de sa mémoire en faisant connaître les œuvres de l'artiste conservées dans sa collection. En raison de sa beauté et de son importance historique, il convient de souligner l'ensemble de costumes conçu pour la représentation de la pièce Farsa y licencia de la reina castiza, écrite par Ramón del Valle-Inclán (1866-1936).
École espagnole ; vers 1930.
Sans titre.
Aquarelle sur papier.
Signée et dédicacée dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 25 x 18 cm ; 35 x 29 cm (cadre).
Cette œuvre s'inscrit dans le courant symboliste qui, à partir de la littérature, a défini un art entièrement métaphorique, cherchant à évoquer des significations cachées par le biais d'une rhétorique élaborée. Les symbolistes pensaient que l'art devait viser à capturer les vérités les plus absolues, qui ne pouvaient être saisies que par des méthodes indirectes et ambiguës, d'où la référence constante au symbole et à la métaphore. Dans le cas de ce dessin, le centre absolu de la représentation est son contenu poétique, capturé à travers un couple.
ÁNGEL XIMÉNEZ HERRÁIZ (1900-1930)
"Couple", vers 1920.
Aquarelle sur papier.
Signée dans le coin inférieur droit.
Dimensions : 30 x 21 cm ; 48 x 38 cm (cadre).
L'humoriste graphique, caricaturiste et illustrateur Ángel Ximenez Herráiz est connu pour avoir travaillé pour de nombreuses publications de l'époque. L'auteur part d'un langage réaliste, bien que la déformation de l'anatomie et la saturation des formes donnent lieu à deux portraits conçus comme une caricature. Le peintre structure la scène à l'aide d'un trait synthétique et expressif, proche de la tendance Art déco. Les formes tendent vers un essentialisme géométrisant et la couleur est appliquée en aplats, contrastant avec des chromatismes colorés.
École espagnole ; XXe siècle.
"Caballero".
Fusain sur papier.
Présente des défauts.
Signé en bas à droite.
Dimensions : 28 x 19,5 cm ; 47 x 40 cm (cadre).
Cette œuvre s'inscrit dans le cadre de la montée du régionalisme en Espagne au cours de la seconde moitié du XIXe siècle et du premier tiers du XXe siècle, où s'est développé un art du patrimoine romantique, costumbrista et réaliste, de facture détaillée, qui s'attache à la représentation de sujets, de thèmes et de personnages qui reflètent un nouveau sens du folklore. Dans ce contexte, les peintres ont cherché à refléter les types et les coutumes de leur propre terre, ce qui la rendait différente et unique, revendiquant ainsi leurs propres racines et, surtout, les traditions et les manières de s'habiller et de se comporter qui étaient menacées par la croissance notable des zones urbaines et l'imposition de nouvelles modes venues de l'extérieur. L'art, fondamentalement dans son aspect pictural, devient ainsi d'une certaine manière un véhicule d'expression capable de faire connaître les particularités régionales au reste de la nation.
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